Boris Hauf Sextet at Constellation

Berlin-based reedist and composer Boris Hauf has been a regular visitor to Chicago since 1999, developing strong ties with local musicians on his sometimes extended stays. One especially noteworthy product of these collaborations is his sextet, which performs locally tonight for the first time since the 2011 release of its most recent album, Next Delusion (Clean Feed). Hauf leads five local jazz and experimental musicians, combining their aesthetics for a restrained but not minimalist sound that borrows the solo language of free improvisation and the patience of avant-­garde drone. Over four extended pieces, he and fellow reedists Keefe Jackson and Jason Stein play braided long tones and multipitched clusters of percussive pops over a mix of thrumming, scraping textures and ferocious polyrhythms from kit drummers Frank Rosaly, Steven Hess, and Michael Hartman. Few ensembles can match this sextet’s decisive motion among pure sound exploration, carefully harnessed chaos, and meticulously ordered drones.

Peter Margasak

When: Thu., May 28, 8:30 p.m.
Price: $10

Source: Boris Hauf Sextet, Jeph Jerman & Tim Barnes | Constellation | Jazz | Chicago Reader


Please join us for the debut concerts of the new noisecore – doom jazz (yes… really…) quartet of longtime musical collaborators Hauf / Heather / Siewert / Weber. The collaboration of the four dates back to the mid- 90s in bands like efzeg and heaven and. Craving to step up to the reductionist minimalist improv Zeitgeist with a clearly audible spontaneously impulsive and eruptive high-energy alternative they recorded The Peeled Eye which will be part of the first batch of releases of Boris Hauf’s label shameless in late 2015. At both concerts you’ll be able to pre-order the vinyl release for an ridiculously awesome pre-order price. According to the new quiet, much is the new little. (also, yes…. really…)

The Peeled Eye
Boris Hauf – baritone saxophone, piano
Steve Heather – drums
Martin Siewert – guitar
Christian Weber – electric bass
link  (w/ audio samples of the upcoming release)


April 29 (Wednesday) doors 8pm, show 9pm
ausland, lychener str. 60, 10437 Berlin

May 1 (Friday) 11pm
Ulrichsberger Kaleidophon 2015

“I’ve been trying to find a way for the terror and the beauty to live together in one song. I know it’s possible.” Sonny Sharrock

thanks and all the best,

round the creep of the wave line

What you’ll hear in the Fern Room is Round the creep of the wave line by composers and musicians Boris Hauf and Keefe Jackson. For this collaboration, the composers considered the materials and elements in the Fern Room—soil, metal, glass and sunlight—in parallel to the materials and elements of the saxophones and clarinets they play—wood, metal, plastic and breath. Combining their instruments with recordings of plants growing, and incorporating long silences and subtle phrasing, they composed separate tracks of different lengths for each loudspeaker. The result is that the sound combinations are always different, so the piece grows and changes organically and unpredictably, much like the plants in the Fern Room.

Exhibition hours: DAILY, 9:00AM-5:00PM

Opening Reception:Sunday, February 1, 3-5pm

Fern Room, Lincoln Park Conservatory 2391 N. Stockton Drive


About the artists
Boris Hauf is a composer and multi-instrumentalist who lives and works in Berlin. He has composed for large and small ensembles, performance art, radio, video, and installation. Since 1999 he has regularly collaborated with many Chicago musicians.

Keefe Jackson is a reed player and composer wo is a key member of Chicago’s vibrant improvised music scene— as such he regularly collaborates with many local and visiting musicians. A respect for traditional forms combined with adventurous experimentation exemplifies his approach to saxophone and clarinet.

Genesis of round the creep of the wave line

Science has shown that entire forests are all interconnected by networks of fungi. ‘Maybe plants are using fungi the way we use the Internet and sending acoustic signals through this Web.’
‘[…]Plants can recognize when a good neighbor is growing next to them,’ says Monica Gagliano, evolutionary ecologist at the University of Western Australia. ‘[…] this communication may be based upon an acoustic exchange.’

Drawing upon Hauf’s and Jackson’s extensive assortment of saxophones and clarinets, using their natural timbral varitations based on the overtone series, together with sampled sounds (especially those of plants growing, amplified) and synthesized sounds, and processing them both by both digital and analog methods. Then mixing these at first seemingly disparate elements all together, and finding a ‘whole’ — but instead of trying to impose an artificial order or a narrative structure, allowing the man-made and natural sounds to co-exist and co-mingle with the experience of the actual ferns and the humidity in the Conservatory. An especially important aspect of this will be the quiet spaces and silences that are a natural compliment to winter weather.

Sunlight, glass and steel; humidity, soil and concrete; water, rubber and copper: the physical elements (inanimate) at play in growing ferns, beside the ferns (animate) themselves.
Wind, brass, and wood; aluminum, copper and plastic: the physical elements (inanimate) at play in growing sounds, beside the sounds (animate) themselves.

In experiencing this piece the audience is invited to take a position to ask: At what point do the animate and the inanimate reverse roles?

Using live reed instruments, recordings of the sounds of plants growing, amplifying and ornamenting the natural sounds of plants, 4 channel analog and digital processing, Boris Hauf and Keefe Jackson blur the lines between these at-first-glance disparate elements – illuminate the similarities and differences of the creative processes occurring betwixt and amongst the plants and the recordings.

During the process of creating the piece, a similar approach will be taken toward combining the individual contributions: in using the recordings, editing and processing them, and finally arranging the sounds throughout the Fern Room an attempt will be made to bring these decisions forth by working together not through a traditional artistic collaborative effort or the type of teamwork espoused by workplace efficiency experts, but by following the trajectories of the creative and reductive impulses and organizing things with the least amount of ‘intervention’ possible, to imitate the process of the plants’ growth.

what moves moves – this weekend @ Uferstudios, Berlin

schiefe huetteWe, who live in the world of reflected light, in visual space, may also be said to be in a state of hypnosis. Ever since the collapse of the oral tradition in early Greece, before the age of Parmenides, Western civilization has been mesmerized by a picture of the universe as a limited container in which all things are arranged according to the vanishing point, in a linear geometric order. The intensity of this conception is such that it actually leads to the abnormal suppression of hearing and touch in some individuals…. most of the information we rely upon comes through our eyes; our technology is arranged to heighten that effect: such is the power of Euclidean or visual space that we can’t live with a circle unless we square it.
(Marshall McLuhan, Visual and Acoustic Space)

“our dialogue for this piece started as a conversation about differences and similarities in the perception of aesthetics in dance and in music. using a space within a space we examine dynamics of sound and movement and attempt to balance the two media and their reception.”

what moves moves is the second collaboration of musician/composer Boris Hauf and dancer/choreographer Christina Ciupke. The piece was premiered at the ”Heizhaus” of Uferstudios Berlin in December 2013.

A concrete physical object – a wooden hut (2m x 1,20m x 2m) with no windows – is located on a slight diagonal axis in the middle of the space.The audience enters into a relatively dark space. To perceive the hut from different perspectives, distances and on various sensual levels spectators are welcome to move freely in the space outside the hut. After they have settled the hut gradually develops a life of its own. Visually impenetrable, the hut’s limited permeability allows only minimal perception of what is originating from inside it. Barely perceptible noise, cracks and vibrations reveal the hut’s inner life.

After a while the outside space darkens increasingly and light penetrates the cracks of the wooden structure. Nearing the hut eludes the overview of what is going on inside it, the gaze is drawn to the detail. Observing from a distance complements the visual cutouts and allows insights as a whole. Sound fragments and light movements inside the hut are perceived as physical dynamics and melody fragments can be heard in interstices of building and construction noise.

As performers, Christina Ciupke and Boris Hauf are alternately inside the hut and outside of the enclosed structure, in midst of the audience. The perception of interior and exterior space oscillates with the movement of sound, light and the dynamics between audience and performers. Encounters, when they occur, are indirect and delicate. By repeatedly becoming permeable for the senses the apparently distinct demarcation of the hut conveys proximity and connectedness.

links: mehdi, christina

performance: christina ciupke, boris hauf
light: mehdi toutain-lopez
stage construction: bodo herrmann
costumes: nina kramer
production manager: barbara greiner
assistant: anne schuh
a production by christina ciupke
supported by the berlin senate cultural affairs department

3 image

music for arditti

Morgen ist es so weit: das Arditti Quartet führt mein Stück ‘music for ardtitti’ im Rahmen von musikprotokoll 2014 ur auf. Für alle die nicht in Graz sind gibts am Montag 20. Okt 23h das Ganze im zeitton als webstream.


I’ve been looking forward to this all year:

the amazing Arditti Quartet will be premiering my piece ‘music for arditti’ tomorrow Friday October 10, 2014 at musikprotokoll 2014 in the Helmut List Halle in Graz, Austria.

If you’re around for the festival, please stop by. The concert is at 9:30pm. Unfortunately the majority of you won’t be able to attend the show, but fear not: you’ll have a chance to catch it per webstream on Monday October 20, 11pm CET on zeitton. That’s 4pm CST (looking at you Chicago), 2pm on the West coast (“awesome, thanks Boris!“), 10pm in the UK and midnight in Athens, and 10AM the next day for my bro in New Zealand

And finally – for the brave and bold – for there’ll be a live Q&A on Saturday 10am. Live, as in, you can actually attend the thing on the Murinsel or it’s live broadcast here: klassiktreffpunkt

thanks for your attention. I’m pretty excited.



How is the theatrical experience created? For performers and the audience alike, physical activity and exertion are requirements. Based on this theory, Thingamajig sets out to examine the interplay between the movements of sitting and watching, together with the working body in motion. A choreography emerges, in which observing is considered participation and where the dancers are set in motion by the resistance and overlapping between dance and work. At the end both the performers and audience will leave the theater as if it would have been the oeuvre itself.

DANCE, CHOREOGRAFY Philipp Enders, Coralie Meinguet, Benjamin Pohlig, Jochen Roller, Sunniva Vikør Egenes
COACHING Jan Burkhardt
DRAMATURGY Valto Kuuluvaineny
MUSIC Boris Hauf
LIGHT Bruno Pocheron
COSTUMES Marion Montel

DATES OCTOBER 02, 03, 04, 05 at 19:30


14/9 EURO


Blick ins akustische Spiegelkabinett

Boris Hauf: Rhizomorphe Biotope der Fantasie

„What sounds, sounds“ (Duke Ellington). So einfach ist das. Drei Worte, mit denen im Grunde alles gesagt ist; gänzlich alles. Warum unternimmt man dennoch immer wieder diesen Versuch, noch weiter in die Tiefe zu gehen? Liegt es an der Sucht des Wortes, endlich einen befriedigenden Weg zu finden, um an die Magie des Klanges heran zu kommen? Dann allerdings scheint die Lust am Scheitern die treibende Kraft zu sein. Denn auf semantischer Ebene einer Kunstsparte zu begegnen, die per se keiner Worte bedarf ist bekanntlich eine so offensichtliche contradictio in adjecto, dass man dieser Situation bereits wieder gänzlich andere, – sprich reizvolle – Seiten abgewinnen kann. Und da jeder Reiz dem Lustprinzip folgt, verführt dies zur Wiederholungstat. In diesem Sinne: Warum nicht einmal mehr die Qualität des Scheiterns auskosten; allerdings auf eine – so sei zu hoffen – lustvolle Art und Weise.

Deshalb sei zu Beginn ein Begriff ins (Denk)Spiel gebracht, den die französischen Philosophen Gilles Deleuze und Félix Guattarri prägten: Das Bild des Rhizoms. Ursprünglich dem Fachbereich der Botanik entlehnt, versteht man unter einem Rhizom „ein Wurzelsystem, das keine Hauptwurzel aufweist und ohne sichtbaren Anfang und Ende sowohl senkrecht als auch waagrecht zu wachsen vermag.“ Eine Qualität, die sich in bestimmten Knollengewächsen, aber auch im Myzel von Pilzen findet und Anfang der 80er Jahre die beiden Philosophen so faszinierte, dass sie diesen Begriff für ihre Ästhetik-Schriften adaptierten. Konkret war es dieses Bild des azentrisch orientierten Wachstumsverhaltens, das Deleuze und Guattarri als Erklärungsmodell diente, um gewisse Zusammenhänge zu beschreiben, die sich nicht auf regelmäßige Strukturen und Hierarchien zurückführen ließen.

In ihrem Werk „Tausend Plateaus“ heißt es: „Im Unterschied zu Bäumen oder ihren Wurzeln verbindet das Rhizom einen beliebigen Punkt mit einem anderen beliebigen Punkt. Rhizomorph sein bedeutet, Stränge und Fasern zu produzieren, die so aussehen wie Wurzeln oder sich vielmehr mit ihnen verbinden, indem sie in den Stamm eindringen, selbst auf die Gefahr hin, dass ein neuer, ungewöhnlicher Gebrauch von ihnen gemacht wird. Wir sind des Baumes überdrüssig geworden. Wir dürfen nicht mehr an Bäume, an große und kleine Wurzeln glauben. Wir haben zu sehr darunter gelitten. Die ganze baumförmige Kultur beruht auf ihnen. Von der Biologie bis hin zur Linguistik. Schön, politisch und liebevoll sind nur unterirdische Stränge und Luftwurzeln, der Wildwuchs und das Rhizom“.

Was wie ein Manifest an die Entfaltungsfreiheit klingt, darf auch so verstanden werden. Dass dieser Begriff sehr bald ebenfalls für musikästhetische Betrachtungen herangezogen wurde, war somit nur eine Frage der Zeit. Ganz speziell einer Strömung scheint das Rhizom auf den akustischen Leib geschneidert zu sein: Der seit Jahren mit ungeahnter Breitendimension wuchernden liveelektronischen Musikszene; der Notebook-Improvisatoren, die im Dialog mit dem Computer nachgerade sagenhaftes Klangmaterial hervorzaubern. Nahezu alle akustischen Wunschvorstellungen, die klingende Gestalt annehmen sollen, sind heute realisierbar. Und zwar nicht hinter abgeriegelten Tonstudio-Mauern, sondern live on stage. Dank der rasanten technischen Weiterentwicklung ist das Equipment der Notebook-Generation mobil und dementsprechend vielseitig einsetzbar. Sei es nun als Ergänzung zu haptischen Instrumentarien, oder „puristisch“ gedacht: Computer komponieren heutzutage fleißig mit; am Schreibtisch, in Proberäumen und in den renommiertesten Konzertsälen der Welt.

Trotz dieser digitalen Omnipräsenz wirkt das Bild des elektronisch gelenkten Live-Happenings allerdings immer noch befremdend; denn im Akt der Hinwendung zur Musik regiert kühl anmutende Distanz. Nahezu apathisch der Gesichtsausdruck der Live-Improvisatoren, die ihre Monitore keine Sekunde aus den Augen verlieren und mit sparsamen Tastatur-Befehlen das musikalische Geschehen steuern. Man hat das Gefühl, dass Klangentwicklung und gesetzte Handbewegungen in indirektem Verhältnis zu einander stehen. Das Ergebnis freilich macht Staunen und zählt zu den bahnbrechendsten Errungenschaften im Bereich der Neuen Musik.

Mag sein, dass es nicht zuletzt diese Diskrepanz zwischen actio et reactio ist, die den vielseitigen Musiker Boris Hauf immer mehr in den elektronischen Bereich eintauchen lässt. Hauf, der zweifelsohne zu den begnadetsten Saxophonisten des Landes zählt, und momentan abwechselnd in Chicago und Berlin lebt, hat mit „Soft Left Onto Westland“ sein nunmehr erstes, rein elektronisches Soloalbum veröffentlicht. Musik, die nur noch entfernt an jene Kompositionen erinnert, die Hauf für seine seit 1999 existierende Formation efzeg (Burkhard Stangl, Martin Siewert, Billy Roisz) konzipierte. Anstelle der Stimme des Saxophons treten elektronische Klangerinnerungen, die von Alltagsgeräuschen eingerahmt scheinen. Trocken gemixte Klangpartikel, die wie kühle Gestirne im akustischen All kreisen und indirekt von Haufs Aufenthalten in den USA „erzählen“. Konkret von Chicago, wo Boris Hauf seit Ende der 90er Jahre mindestens drei Monate des Jahres verbringt. „Chicago ist für mich wirklich ein Glücksfall. Speziell meine Zusammenarbeit mit der Formation Television Power Electric ist eine unglaubliche Bereicherung; wirklich ein Idealfall an musikalischer Offenheit. Das Spektrum ist so breit, dass es keinerlei Einschränkungen gibt.“ Denn: Für Boris Hauf macht es keinen Unterschied, welches Instrument er spielt, entscheidend ist einzig und allein das Resultat. „Die Elektronik ist für mich genauso ein Instrument wie ein Klavier oder Saxophon. Wichtig ist einzig und allein wie es klingt.“

Womit wir wieder bei Duke Ellington angelangt wären, und jenem Satz, den auch Hauf so gerne zitiert „What sounds, sounds.“ Punktum Schluss; keinerlei weitere Kommentare notwendig.

Wieder scheint es gescheitert, das Wort, das alles daran setzen wollte, um es dem organisierten Schall gleich zu tun; nämlich Gedanken in Schwingungen zu versetzen und mentale „beats“ zu erzeugen, die kaum einen Herzschlag von der Musik entfernt sind. Und in eben dieser aussichtslos wirkenden Situation taucht es wieder auf, das Rhizom – und man ist fast versucht zu sagen: Das gute, alte Rhizom. Denn es ist hartnäckig und beteuert seine Existenz durch die Berechtigung, die es immer wieder über die Schiene der Musik erfährt.

Theodor W. Adorno war es, der Franz Schrekers Klangideal als Musik beschrieb „die Luftwurzeln treibt“, die Ursprung und Konsequenz und „am liebsten auch jede eigentliche kompositorische Bestimmtheit“ verleugnet. Musik, die aus sich selbst heraus wuchert und immer neue Blüten treibt; die ähnlich wie das Bild des Rhizoms den Anschein erweckt, an jeder beliebigen Stelle unterbrochen oder zerrissen werden zu können, und dennoch die Kraft besitzt sich an eigenen oder fremden Linien fortzupflanzen.

Warum derlei rhizomorphe Gedanken just im Zusammenhang mit Boris Hauf ins Spiel gebracht werden? Weil der 1974 in Großbritannien geborene Kosmopolit weitaus stärker als viele seiner Kollegen die verbale Auseinandersetzung mit seinen Kompositionen verweigert. Sätze wie „ob jemand ein Instrument spielen kann oder nicht ist unwichtig, ebenso ob es Töne oder Geräusche sind, die dabei herauskommen. Wenn es gute Musik ist, ist es gute Musik“ sind keine Seltenheit und wecken die Erinnerung an ein Zitat von Edgard Varèse: „Ich wurde eine Art teuflischer Parsifal, nicht auf der Suche nach dem heiligen Gral, sondern nach der Bombe, die das musikalische Universum sprengen könnte, um alle Klänge durch die Trümmer hereinzulassen, die man – bis heute – Geräusche genannt hat.“ Dieses Formen aus dem scheinbaren Nichts, diese Integration des lange Zeit unterschätzen „Anti-Tons“ wurde zum Urknall für Varèses Musikvorstellung und scheint auch für die heutige Notebook-Generation ein kompatibler Ansatz.

Dank digitaler Techniken ist es möglich, den Klang bis in seinen so genannten Granularbereich zu zerlegen und bis zum Klanggespinst auszudünnen. Oder umgekehrt jene Frequenzbereiche anzusteuern, die früher Lautsprecher zum Bersten gebracht hätten. Fast alles, was denkbar ist scheint möglich. Und da – nach Claude Lévi-Strauss – „das wilde Denken seinem Wesen nach zeitlos ist“ – gewinnt man bisweilen den Eindruck, dass speziell die Elektronik-Szene die raum-zeitliche Kausalität zu sprengen versucht. Klangpartikel werden wie Objekte im Raum bewegt, überlagern einander oder reihen sich zu Linien oder Kurven. Und da bei Live-Events auch die Reflexion der Schallwellen an räumlichen Parametern mitberücksichtigt wird, mutiert das Publikum ebenfalls zu einer Art Blitzableiter des Klanges. Nicht zuletzt diese akustische Dynamik evoziert beim Zuhörer mitunter das Gefühl, dass es sich um eine Art negative Klang-Geschwindigkeit handelt; dass Signale bereits im Ohr ankommen, ehe sie überhaupt ausgesandt wurden. Dieser Mix aus Technik und Magie reizt die Sinne und koppelt die Wahrnehmung an eine Art dreidimensionales Denken. Ein Phänomen, das auch auf Boris Haufs Soloalbum „Soft Left Onto Westland“ zur Geltung kommt. In diesem Fall sind es die ins akustische Gewebe geflochtenen Umweltgeräusche, die der musikalischen Textur eine Form von Mehrdimensionalität verleihen.
Durch und durch plastisch sind auch die Klänge, die Hauf nach wie vor am Saxophon produziert. Sei es mit seiner Formation efzeg, dem Hauf-Quartett oder jener Band in Berlin, mit der „Britney Spears-Covers“ eingespielt werden: Die musikalische Bewegungsfreiheit scheint grenzenlos. „Da bin ich gnadenlos. Ich mache alles, was mir Spaß macht. Ich kann heute Motetten von Orlando Di Lasso spielen und morgen Enimen-Covers. Alles hat seinen Reiz und dieselbe Ernsthaftigkeit in der Vorbereitung.“

An dieser Stelle noch ein Wort zum musikalischen Werdegang: Sein Saxophonstudium absolvierte Boris Hauf bei Adelhard Roidinger am Brucknerkonservatorium Linz. Parallel dazu nahm Hauf Querflötenunterricht bei Katrina Emtage und besuchte Meisterkurse bei Marc Grauwels. An sein kurzfristiges Cello-Intermezzo am Konservatorium Wien erinnert nur noch sein gleichnamiger, mittlerweile sehr betagter Hund. Dass sich der vielseitige Musiker aber ganz speziell in der Formation Bass (Achim Tang), Schlagzeug (Lukas Knöfler) und Saxophon (Boris Hauf) wohlfühlt, war zuletzt im Rahmen des GrabenFestes 2004 spürbar. Unter dem Motto „3 Farben: Weiss“ hisste niemand geringerer als Dichter-Ikone Ruth Weiss die Festival-Fahne des Friedens. Jene 1928 in Berlin geborene und 1938 nach Amerika emigrieren müssende „Goddess of the Beat Generation“, die als Erfinderin der Jazz-Poetry gilt und von ihrem Kollegen Jack Hirschman so trefflich charakterisiert wurde: „Andere lesen zu Jazz und schreiben über Jazz. Ruth Weiss macht Jazz in Worten“. Konkret war es das Gedicht „White is all Colors“, das Ruth Weiss für das GrabenFest „komponierte“ und live skandierte. Die Stimme als Instrument, Sprechen als Klangphänomen begriffen; in Kombination mit dem Trio Hauf/Tang/Köfler irritierend wie der Blick in ein akustisches Spiegelkabinett. Hier die Worte, die der Musik ihren Geist schenken; dort die indirekte Mitteilsamkeit instrumentaler Klänge. Eine Art Verdoppelung der musikalischen Wirklichkeit, die wieder an jenen Punkt führt, wo das (geschriebene) Wort gefordert wird, das sich – einmal mehr – mit aller Kraft nach den Sphären der Musik zu strecken scheint. Oder wie Friedrich Nietzsche in seiner polemisch pointierten Abhandlung „Die fröhliche Wissenschaft“ es bezeichnete: „Was eigentlich Musik an der Musik ist, ist nicht in ihren physikalischen Bedingungen oder in ihren rationalisierbaren mathematischen Proportionen begründet. Je weiter man sich der Musik rational oder emotional nähert, sie entwischt einem im gleichen Moment und gibt an anderer Stelle Rätsel auf“.

Über Musik zu schreiben kommt somit dem Versuch gleich Halt zu finden, an der Stimme des Windtons, an der Magie einer flüchtigen und zugleich in sich autarken Welt. So betrachtet ist es ganz wunderbar, das bereits eingangs angekündigte Scheitern der Sprache an der Musik. „What sounds, sounds“. Kein Widerspruch mehr, denn: Das letzte Wort behält die Musik.

28. April 2005, Cafe Weimar, 1090 Wien
Christine Dobretsberger